Kurzbeschreibung

Auffällig prangen die aus Neonröhren geformten Wörter „OWN“ und „AIR“ an den Fassaden der Holzhütte von Andreas Fischer. Own air – Luft besitzen, ein Ausspruch, der gleichermaßen logisch wie paradox erscheint, ist der Mensch doch unablässig auf das erdumspannende Gasgemisch angewiesen, ohne es sich je zu eigen machen zu können.

Vom Licht angezogen, löst der sich nähernde Betrachter im Inneren der Hütte Bewegungen aus. Von unruhigen Atemgeräuschen begleitet, scheint die Arbeit zu erwachen. Durch ein Fenster fällt der Blick auf eine zunächst sacht pendelnde Leuchte, die sich nach einigen Augenblicken in einer von „Atem-Akustischen Eskalationen“ begleiteten Frontalfahrt auf den Besucher zubewegt. Vom Flutlicht geblendet ist es dem Betrachter nicht länger möglich, die weiteren Vorgänge im Inneren zu erkennen: Die sicher geglaubte Rollenverteilung zwischen Betrachter und Betrachtetem kippt und der Rezipient verwandelt sich in das angestrahlte Exponat.

Partnerschaft

Das Projekt OWN-AUS wurde von der Stadt Braunschweig realisiert.

Kurzbiografie

Andreas Fischer wurde 1972 in München geboren. Er lebt und arbeitet in Düsseldorf, wo er 2003 sein Studium als Meisterschüler von Prof. Georg Herold an der Kunstakademie abschloss. Fischer gewann 2012 das Projekt-Stipendium der Kunststiftung NRW, das Peil-Stipendium der Peil-Stiftung Düren sowie 2010 das Atelier Stipendium von Schloss Ringenberg. Aus alltäglichen Materialien und Gegenständen konstruiert Andreas Fischer kinetische Skulpturen, die narrative Qualitäten entwickeln. Andreas Fischers Werke sind in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter in Kunst aus NRW Kornelimünster, Aachen und in der Sammlung des Museum Ludwig, Köln.

Ausstellungen

2014

Breaking Bad By Baking Bread, Museum Düren (solo)

2014

the Head of the Clock, Johann König, Berlin (solo)

2014

boesner art award 2014, Märkisches Museum Witten

2013

A WORLD OF WILD DOUBT, Der Kunstverein, seit 1817, Hamburg

2012

Your time is my Rolex, Museum Ludwig, Köln (solo)

2012

Atelier+ Küche= Labore der Sinne, MARTa Herford

2010

Happy End, Kunsthalle Göppingen

2010

Elevation, Schloss Ringenberg, Hamminkeln

2009

Intervention Winkelgast, Museum Ludwig, Köln (solo)

2009

OFEN AUS, Kunstverein Bonn (solo)

2008

Reculer pour mieux sauter, Kunstverein Siegburg (solo)

2008

Ad Absurdum- Zeitgemäße Apparate, Städtische Galerie Nordhorn

2008

Förderpreis- Ausstelung, Kunstraum Düsseldorf

2007

New Talent, Förderkoje, Art Cologne, Köln

2007

Hotel Kerberos, Kunst im Tunnel (KIT), Düsseldorf

2007

Minibar für Sansibar, Dok25a, Düsseldorf

2007

Installation Rabenrohr, Sammlung Museum Ludwig, Köln

2006

Es war alles noch viel schlimmer, Kunstverein, Aschaffenburg

2005

Westbindung, Galerie Vera Gliem, Köln (solo)

2005

Ars Electronica Linz, Österreich

2003

MOTHER, Galerie Vera Gliem, Köln (solo)

Kurzbeschreibung

44 Holzrahmen umspannen einen kreisförmigen Weg. Um eine Mittelachse „aufgefädelt“, bilden sie einen gleichzeitig lichten wie tunnelartigen Raum. In der Reihung der Rahmen bilden sich fließende Linien und ein helixartiges Volumen, das flirrende Moirée-Effekte erzeugt. Während sich der Besucher durch die Installation bewegt, zeichnet die Sonne ständig variierende Licht- und Schattenmuster. Gestalt und Dimension der Arbeit werden von den wechselnden Sonnenständen bestimmt. Bei Nacht wird die Schattenwirkung und die Wahrnehmung des Pavillons durch eine Lichtquelle im Zentrum invertiert: Licht- und Schattenfelder bilden sich gleichförmig nach außen ab. In der Verschränkung von Raum, Licht und Zeit zeigt sich You and I, wandering on the snake’s tail als ein komplexer Erfahrungsraum, in dem sich die Tageszeiten spiegeln.

Partnerschaft

Die Arbeit You and I, wandering on the snake’s tail wurde mit freundlicher Unterstützung der FIBAV Immobilien GmbH sowie der Metallbau Klauenberg GmbH realisiert.

Kurzbiografie

Thilo Frank, 1978 in Waiblingen, Deutschland, geboren, lebt und arbeitet in Berlin. Nach einem Studium an der Kunstakademie Stuttgart und der Royal Danish Academy of Fine Arts Copenhagen arbeitete er im Studio von Olafur Eliasson, bevor er 2005 für ein Intermedia Art-Studium nach Stuttgart zurückkehrte. Eine Gastprofessur führte ihn 2013 an die University of Aalborg. Zuvor gewann er mit Ekko (2011) und Spænding (2012) zwei dänische Wettbewerbe für permanente Arbeiten im öffentlichen Raum. In seinen häufig begehbaren Installationen beschäftigt sich Frank mit der Frage, wie Symmetrie, Proportionen und Massenverhältnisse die Raum- und Selbstwahrnehmung beeinflussen. Thilo Franks Werke werden international in Gruppen- und Einzelausstellungen gezeigt.

Ausstellungen

2014

Festival of Future Nows , Neue Nationalgalerie Berlin

2014

Thilo Frank, Kunstraum Dornbirn Österreich (solo)

2014

Bildmuseet, Umea, Schweden (solo)

2013

BERLIN.STATUS 02, Künstlerhaus Bethanien, Berlin

2013

Sharjah Biennial, Vereinigte Arabische Emirate

2012

Utzon Center, Aalborg, Dänemark

2012

Exhibition ArtPod, Imaginäre Reisen at Amerika Haus, Berlin

2012

The englightened City, Cathedral of St. Budolfi in Aalborg, Dänemark (solo)

2012

EKKO, public artwork in Hjallerup, Dänemark (solo)

2012

Parallelwelt, Kunsthalle Wien, Österreich

2011

The Phoenix is closer than it appears, KUNSTEN, Museum of Modern Art Aalborg, Dänemark (solo)

2010

PROVINZ, Eine Ausstellung im Sommer 2010, Lindau

2009

Circus Hein, FRAC Orléans & Atelier Calder Saché, Frankreich

2009

Rethink the implict, Den Frie Center of Contemporary Art, Kopenhagen, Dänemark

Kurzbeschreibung

Ausgangspunkt des Projekts Satelliten, das Studierende der Technischen Universität Braunschweig unter der Leitung von Bernd Schulz entwickelt haben, ist das Thema „Contact“. Angenommen, es gäbe interstellares intelligentes Leben, welche Auswirkungen auf unser Denken und Handeln würden sich daraus ergeben? Wie würden wir uns diesen „Fremden“ gegenüber verhalten, wie würden wir sie begrüßen? Wie muss unser „Schiff“ ausgestattet sein, um fremde Intelligenzen angemessen empfangen zu können?

In der Auseinandersetzung mit diesen Fragestellungen entstanden drei begehbare Stahlrahmenkonstruktionen, in die je eine kubische Stoffhülle aus Schirmseide gespannt ist. Zwei schwimmfähige Satelliten ankern an der Basisstation als „Contact“-Punkt, in der regelmäßig Konzerte, Lesungen und Vorträge stattfinden. Die bei Nacht illuminierten Kuben stellen die Sinne auf die Probe. Der Umraum verschwindet und der Besucher ist von einer gleichmäßig hell erleuchteten Hülle umschlossen, die einen kreisrunden Ausblick gen Himmel gewährt.

Realisierter Entwurf: Thies Wacker und Christian Schad

Weitere Entwürfe: Havva Gizem Artar, Katharina Christina Kothe, Michelle Korell

Partnerschaft

Das Projekt Satelliten war ein Beitrag des IAK, Institut für Architekturbezogene Kunst der Technischen Universität Braunschweig mit dem Institutsleiter Tomás Saraceno. Unterstützt wurde die Kooperation von der Vizepräsidentin für Studium und Kooperation, Prof. Susanne Robra-Bissantz und ihrem Projekt Sandkasten – selfmade campus, sowie durch die Förderer Helmut Streiff und dem Braunschweigischen Hochschulbund e.V.

Kurzbeschreibung

Ein dichtes Netz an Weihnachtslichtern legt sich über die Fassade des Gartenhauses Haeckel, einer von Architekt und Städtebauer Peter Joseph Krahe erbauten Villa. Im Gleichklang pulsieren Sound und geometrische Lichtmuster und versetzen das Haus in Vibration. Die Lichtchoreographie folgt dem Rhythmus einer von Kevin Schmidt komponierten Soundsequenz, die Motive von Horrorfilmmelodien verarbeitet.

Für gewöhnlich zelebriert häusliche Weihnachtsbeleuchtung das Leben seiner Bewohner im Inneren. Umso auffälliger ist ihre Abwesenheit, die ein nachhaltiges Unwohlsein produziert. Als spektakulär inszeniertes Mysterium lockt die Arbeit Besucher auf das Gelände und lässt die Grenze zwischen privatem und öffentlichem Raum verschwimmen.

Der Soundtrack war vor Ort über die Radiofrequenz 96,80 MHz empfangbar.

Koordinaten: 52°16'03.8"N 10°31'57.9"E

Partnerschaft

Die Arbeit ...But No One’s Home wurde mit freundlicher Unterstützung der Bürgerstiftung Braunschweig, der Stiftung Sparda-Bank Hannover sowie dem Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur realisiert.

Kurzbiografie

Der Künstler Kevin Schmidt, 1972 in Ottawa, Kanada, geboren, studierte am Emily Carr Institute of Art and Design, Vancouver. In seinen filmischen und installativen Arbeiten und Aktionen spielt der kanadische Künstler mit idealisierenden Landschaftsbildern und Ablegern der Unterhaltungsindustrie. Nach einer Artist-in-Residence im Künstlerhaus Bethanien Berlin (2013) erhielt Schmidt zuletzt das Braunschweiger BS Project-Stipendiat. Der Künstler lebt in Vancouver.

Ausstellungen

2014

Harmless High Altitude Balloon Amateur Radio Equipment, Kunstverein Braunschweig, Braunschweig (solo)

2014

Fogo Island Arts, Fogo Island, Neufundland (solo)

2014

Contemporary Art Gallery, Vancouver, Kanada (solo)

2014

Sights and Sounds: Global Film and Video, The Jewish Museum, New York, USA

2013

EDM House, Künstlerhaus Bethanien, Berlin (solo)

2013

L'Avenir (looking Forward), Montreal Biennal, Kanada

2012

Zoo, Museé d'art contemporain de Montréal, Kanada

2011

A Sign in the Northwest Passage, Bielefelder Kunstverein

2013

Epic Journey, Musée d'art contemporain de Montréal, Kanada (solo)

2010

Catriona Jeffries, Vancouver, Kanada (solo)

2009

Wild Signals, Galerie Barbara Thumm, Berlin (solo)

2008

Wild Signals, Württembergischer Kunstverein Stuttgart

2007

Depiction Part IV: Film Program for the IFFR 2007, Witte de With, Rotterdamm, Niederlande

2006

Canada Dreaming (Desires And Ideas For The Future By Artists Of The Biggest Country In America), Kunstverein Wolfsburg

2005

Fog, Mecer Union, Toronto Burning Bush, Artspeak, Vancouver, Kanada (solo)

2005

I Wanna Be a Popstar, Club Transmediale, Berlin

2004

Emotion Eins, Frankfurter Kunstverein

Kurzbeschreibung

Mit dem LED-Schriftzug Kultur = Kapital zitiert Alfredo Jaar Joseph Beuys’ These und Arbeit Kunst = Kapital und öffnet sie für einen gesamtgesellschaftlichen wie internationalen Kontext. So ist die Braunschweiger Arbeit Teil einer multilingual angelegten Serie mit Vorläufern in Miami, Helsinki und Turin. An die Portikussäulen des Stadtschlosses montiert, wird die besondere Ambivalenz dieser Sentenz hervorgehoben: Kultur = Kapital verbindet ein Grundvertrauen in die alternative Ökonomie der Kunstproduktion mit einer kritischen Warnung vor ihrer kommerziellen Vereinnahmung. Im Sinne des Kultursoziologen Pierre Bourdieu wird die konfliktreiche Abhängigkeit von kulturellem und ökonomischem Kapital thematisiert. Der Glaube an die Kraft der Kunst und die besondere gesellschaftliche Bedeutung der Kultur werden hervorgehoben.

Koordinaten: 52°15'48.3"N 10°31'38.0"E

Partnerschaft

Die Arbeit Kultur = Kapital wurde von der Stadt Braunschweig mit freundlicher Unterstützung der RICHARD BOREK STIFTUNG realisiert.

Kurzbiografie

Alfredo Jaar wurde 1956 in Santiago de Chile geboren und studierte dort Architektur und Filmregie. Jaars Arbeiten wurden international in wichtigen Gruppen- und Einzelausstellungen vorgestellt. Seit 1985 ist er Guggenheim Fellow, seit 2000 MacArthur Fellow, 2006 wurde er mit dem spanischen Premio Extremadura a la Creación ausgezeichnet. In seiner konzeptuell angelegten, engagierten Kunst greift Alfredo Jaar sozio-politische Themen und versteckte Missstände auf. Wiederholt kreisen seine Werke im städtischen Raum um die Frage, mit welchen Strategien unterschiedliche Öffentlichkeiten adressiert und versteckte (Macht-)Strukturen freigelegt werden können. Alfredo Jaars Arbeiten sind in renommierten Sammlungen wie der des Walker Art Center, Minneapolis, des Art Institute of Chicago oder des Museum of Modern Art, New York, vertreten. Seit 1982 lebt und arbeitet der Künstler in New York.

Ausstellungen

2014

A Logo for America, Times Square, New York, USA

2014

Tonight No Poetry Will Serve , Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki, Finnland (solo)

2014

Shadows, SCAD Gallery Hong Kong, Hong Kong, China (solo)

2014

Shadows, SCAD Museum of Art, Savannah, GA, USA (solo)

2014

Muxima, San Diego Museum of Art, San Diego, USA (solo)

2013

The Encyclopedic Palace, La Biennale di Venezia, 55th International Art Exhibition, Venedig, Italien

2013

The Sound of Silence, Malmö Konsthall, Malmö (Schweden)

2012

The way it is. Eine Ästhetik des Widerstands, NGBK Neue Gesellschaft für Bildende Kunst e.V., Staatliche Museen zu Berlin, Alte Nationalgalerie, Berlinische Galerie, Berlin (solo)

2011

Mary Lounge, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), Sevilla, Spanien (solo)

2011

Marx Lounge, Stedelijk Museum, Bureau Amsterdam, Niederlande (solo)

2009

Political/Minimal, KW Institute or Contemporary Art (solo)

2005

The Eyes of Gutete Emerita, Museum of Fine Arts, Housten, USA (solo)

2005

Let One Hundred Flowers Bloom, MACRO, Museo Arte Contemporanea Roma, Rom, Italien (solo)

2002

documenta 11, Kassel

2000

Alfredo Jaar: Le Silence- Rwanda Project 1994-2000, International Museum of the Red Cross, Genf, Schweiz (solo)

1998

Public Project for Stockholm 98, Kulturhauptstadt Europas, Stockholm, Schweden (solo)

1995

Museum of Contemporary Photography, Chicago, USA (solo)

1994

A Hundred times Nguyen, Fotografiska Museet and Moderna Museet, Stockholm, Schweden (solo)

1993

Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen (solo)

1992

1+1+1: Works by Alfredo Jaar, The New Museum of Contemporary Art, New York, USA (solo)

1992

Two or Three Things I Imagine About Them, Whitechapel Art Gallery, London, Großbritannien (solo)

1992

Geography = War, The Museum of Contemporary Art, Chicago, USA (solo)

1987

1+1+1 in documenta 8, Museum Fridericianum, Kassel

1984

Art & Ideology, The New Museum of Contemporary Art, New York, USA (solo)

Kurzbeschreibung

Spiegelnd und reflektierend fügt sich das Balkenensemble Bastion Beauté in den Umraum ein. Auf der Kuppe des ehemaligen Ulrich-Bollwerks platziert, verweist Schiemenz Arbeit auf die Spuren einer historischen Befestigungsanlage, die einst Braunschweigs Demarkationslinie definierte. An der Grenze von historischer Innenstadt und neuzeitlicher Stadterweiterung zeigt sich die Skulptur als ein „ungeordneter Haufen spiegelglatter, bunter, leuchtender Balken, eine wirre Collage aus Reflektionen und Farbverläufen“ (Kai Schiemenz), die verlassene Baustelle einer unvollendeten, architektonischen Utopie. Etwas deplatziert aber souverän leuchten die Balken in eigenen Takten still auf. Ihr Licht verfängt sich in den Baumkronen und empfängt jeden Neuankömmling mit einem „pulsierenden Lavendel-Pistazie-Cappuccino-Aroma“ (Kai Schiemenz).

Koordinaten: 52°15'48.5"N 10°32'04.8"E

Partnerschaft

Das Projekt Bastion Beauté wurde mit freundlicher Unterstützung der Stiftung Braunschweigischer Kulturbesitz realisiert.

Kurzbiografie

Kai Schiemenz, 1966 in Erfurt geboren, lebt und arbeitet in Berlin. Nach einem Studium an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee (1990-1991) und an der UdK Berlin (1991-1998) wurde Schiemenz 1999 Meisterschüler von Lothar Baumgarten. In seiner künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Schiemenz mit Stadt, Raum, Architektur und ihren regulierenden Funktionen für den Menschen. Neben dem GASAG-Kunstpreis (2000) und einem Projektstipendium des Hauptstadt Kulturfonds Berlin (2004) erhielt Schiemenz 2005 eine Artist-Residency in der Villa Aurora Los Angeles. Lehraufträge führten ihn an die Monash University Melbourne und an die UdK Berlin.

Ausstellungen

2014

TAKE FIVE, Galerie EIGEN + ART Berlin

2012

Mr. Hyde , giffelkunst, Hamburg

2012

Positions, Galerie EIGEN + ART Leipzig

2012

Host, Kunstverein Wuppertal

2011

Ube Biennale, Japan

2011

Neue Realitäten, Staatliche Museen zu Berlin/Kupferstichkabinett

2011

Wir sind alle Astronauten- Universum Richard Buckminster Fuller, MARTa Herford

2011

Concrete Geometries, AA London, Großbritannien

2010

lush life, Lehmann Maupin Gallery, New York, USA

2010

Light Projects, Melbourne, Australien

2010

International Garden Festival, Le Metis, Kanada

2010

Berlinische Galerie, Akademie der Künste, Berlin

2009

Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg

2007

Shrunken Theatre, Galerie Fahnemnn, Berlin

2008

Skulpturen Quadrinale Riga, Lettland

2008

Villa Romana, Florenz, Italien

2008

Auswärtiges Amt, Berlin

2006

Invisible City/Ideal City, Zamosc, Polen und Potsdam

2006

Demokratie üben, Westfälischer Kunstverein, Münster

2006

urban ceatures, Pori Art Museum, Pori, Finnland

2005

Wittgenstein in New York- Architektur in der zeitgenössischen Kunst auf Papier, Kupferstichkabinett Berlin

Kurzbeschreibung

Für den Lichtparcours entwirft Michael Sailstorfer eine zweiteilige Skulptur. Der erste Teil der Arbeit besteht aus einem geschwungenen Laternenmast, der sich harmonisch in die Parksituation einfügt. Diesem wird ein überdimensionierter Sockel gegenübergestellt, auf dem der Bronzeabguss einer Katze installiert ist. Stoisch richtet sie ihren Blick auf die Laterne und zeigt sich „der Sonne zugewandt“. In der Kombination von Vertrautem und Unerwartetem kreiert Sailstorfer eine rätselhafte, fast surreale Situation. Während sich mit der Katze Lebendiges assoziieren lässt, verweist die Laterne auf den Bereich der seriellen Technik. Natürliche und technische Komponente sind aus ihren jeweiligen Bezugssystemen herausgelöst und entwickeln in der Neukombination eine ungewöhnliche Interaktion von Organismus und Artefakt. Humorvoll konterkariert Sailstorfer die „Heroik klassischer Statuen“ und schlägt einen alternativen Blick auf den streng geometrisch geordneten Löwenwall vor.

Partnerschaft

Die Arbeit Solarkatze wurde mit freundlicher Unterstützung des Arbeitsausschuss für Tourismus Braunschweig e.V., der GÖHMANN Rechtsanwälte Notare sowie der Kienemann Bau- und Beteiligungsgesellschaft mbH realisiert.

Kurzbiografie

Michael Sailstorfer wurde 1979 in Velden/Vils geboren und studierte an der Akademie der Bildenden Künste München (1999-2005) und am Londoner Goldsmiths College (2003-2004). In seiner künstlerischen Praxis bedient sich Sailstorfer aus dem unerschöpflichen Fundus existierender Objekte, die er raffiniert modifiziert und in neue Funktionszusammenhänge stellt. Mit einem Instinkt für die versteckten Pointen und Potenziale alltäglicher Gegenstände entlockt er Apparaten und Architekturen erzählerische Momente. Arbeiten des Künstlers sind in zahlreichen internationalen Sammlungen, wie der des Centre George Pompidou Paris, des Städelmuseums Frankfurt, der Städtischen Galerie im Lenbachhaus München oder des Walker Art Center Minneapolis vertreten. Michael Sailstorfer lebt und arbeitet in Berlin. Seine Arbeiten werden international in Gruppen- und Einzelausstellungen gezeigt.

Ausstellungen

2015

CentrePasqArt´, Kunsthaus Centre d’art, Biel, Schweiz

2014

It might as well be spring, Rochester Art Center, USA

2014

B-Seite, Haus am Waldsee, Berlin

2014

Kopf und Körper, Museum Kurhaus, Kleve

2014

Every piece is a new problem, Contemporary Arts Center, Cincinnati,Ohio, USA

2013

Try to reach the goal without touching the walls, Carbon 12, Vereinigte Arabische Emirate

2013

Young West, Kunsthalle Recklinghausen in Kooperation mit Emscherkunst

2012

Solarkatze, Thaddaeus Ropac, Salzburg, Österreich

2012

Forst (Vattenfall Contemporary), Berlinische Galerie

2011

Für immer Strom, Kunsthalle Nürnberg

2011

If you should die in a car crash, Zeppelinmuseum Friedrichshafen

2011

Tornado, Public Art Fund Projects, Doris C. Freedman Plaza, Central Park , NY, USA

2011

Raum und Zeit, S.M.A.K., Gent, Belgien

2010

Forst, Kestnergesellschaft, Hannover

2010

T 72, Kunstverein Bremerhaven

2010

Schwarzwald, Leopold Hoesch Museum, Düren

2009

Pulheim gräbt, Pulheim

2008

10 000 Steine, Schirn Kunsthalle, Frankfurt

2008

Mollstraße, Galeri K, Oslo, Norwegen

2006

Michael Sailstorfer, Johann König, Berlin

2005

Hoher Besuch, MARTa Herford, Herford

2005

Der Schein trügt, Jack Hanley Gallery, Los Angeles, USA

2004

Dämmerung, Attitudes- espace d'art contemporain, Genf, Schweiz

2002

Und sie bewegt sich doch!, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München

Kurzbeschreibung

Für den Lichtparcours Braunschweig 2016 platziert Tobias Rehberger am John F.-Kennedy-Platz einen Kunstimbiss mit dem Namen BEI PESS u. PUSE. Dabei greift die Leuchtwerbung des „Imbisses“ die Typographie der Neonreklame an der gegenüberliegenden Fassadenseite auf. Das ästhetische Relikt eines vergangenen Jahrzehnts wird durch diese Geste neu belebt und erfährt in ihrer Dopplung eine Verankerung im Hier und Jetzt. Bei Nacht leuchtet der „Imbiss“ selbst in mystischem Blau und erhellt als skulpturale Leuchte die Verkehrskreuzung als „Un-Ort“. In seiner Form ist der Imbiss ein Rip-off der von Rem Kolhaas entworfenen Konzerthalle Casa da Musica in Porto und verweist so auch auf den belebenden Anspruch, den Tobias Rehberger mit der Platzierung des „Imbisses“ an der Verkehrskreuzung verbindet.

Partnerschaft

Das Projekt BEI PESS u. PUSE wurde mit freundlicher Unterstützung der Volkswagen Financial Services realisiert.

Kurzbiografie

Tobias Rehberger, 1966 in Esslingen geboren, studierte bei Thomas Bayrle und Martin Kippenberger an der Hochschule für Bildende Künste Städelschule in Frankurt am Main, an der er seit 2001 selbst lehrt. An der Grenze von Kunst, Architektur und Design entwickelt Rehberger künstlerische Interventionen, die häufig auch unter funktionalen Gesichtspunkten zu betrachten sind. In seinen Arbeiten für den öffentlichen Raum interessiert Rehberger der Augenblick, in dem die Kunst vom Rezipienten (noch) nicht als solche identifiziert ist und sich Vertrautes und Unbekanntes zu irritierenden Momenten verbinden. Neben international beachteten Einzel- und Gruppenausstellungen gewann Rehberger 2009 den Goldenen Löwen der Venedig Biennale. Mit der begehbaren Arbeit Adipöse Enkelin beteiligte sich der Künstler bereits 2004 am Braunschweig Parcours.

Ausstellungen

2015

Wrap it up! Deutsche Bank Collection + recent works on paper, MACRO – Museo d'Arte Contemporanea, Rom, Italien (solo)

2014

Tobias Rehberger – Der Raum dazwischen und andere Verhältnisse, Esslinger Kunstverein, Villa Merkel, Esslingen (solo)

2014

Tobias Rehberger. Home and Away and Outside, Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main (solo)

2011

Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle (solo)

2010

flach – Plakate, Plakatkonzepte und Wandmalerein, Museum für Angewandte Kunst, Frankfurt am Main (solo)

2010

EMSCHERKUNST.2010, Oberhausen

2009

53rd Venice Biennale, Venedig, Italien

2008

The Chicken and Egg No Problem Wall Painting, Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum Ludwig, Köln (solo)

2005

I die everyday 1 COR. 15,31, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Palacio de Cristal, Madrid, Spanien (solo)

2004

Whitechapel Gallery, London, Großbritannien (solo)

2004

Adipöse Enkelin, Braunschweiger Pacours 2004

2003

Night Shift, Palais de Tokyo, Paris, Frankreich (solo)

2002

Geläut bis ichs hör, ZKM Karlsruhe (solo)

1999

The secret bulb in Barry L., Galerie für zeitgenössische Kunst, Leipzig (solo)

1998

Berlin Biennale, Berlin

1997

47th Venice Biennale, Italien

1997

Skulptur Projekte Münster 97, Westfälisches Landesmuseum, Münster

1997

Suggestions from the Visitors of the Shows #74 and #75, Portikus, Frankfurt am Main (solo)

1996

Fragments of their pleasant spaces (in my fashionable version), Galerie Bärbel Grässlin (solo)

1996

Manifesta 1, Rotterdamm, Niederlande

1994

Rehbergfest, Galerie Bärbel Grasslin (solo)

Kurzbeschreibung

In ihrer Gestalt greift Danica Dakićs Installation FLASHBACK die Bogenform der 1962 erbauten Drachenbrücke auf, die in ihrer Spiegelung im Wasser an die einfache Zeichnung eines Auges erinnert. An der Unterseite des Brückenbogens ist eine halbkreisförmige Edelstahlringhalterung angebracht, die sich mit der Reflektion im Fluss zum Kreis schließt. In einem regelmäßigen Rhythmus sprühen kleine Düsen staubfeinen Wassernebel, anschließend werden Lichtblitze ausgesandt. Die nur kurz erstrahlenden und sich im Nebel fangenden Lichtstrahlen lassen momenthaft den Eindruck einer Iris innerhalb des „Brückenauges“ aufscheinen. Ein flüchtiges Bild, das sich immer wieder neu formt und auflöst. Vor dem Hintergrund des sich ständig wandelnden Umgebungslichts und Wetters verändert das „Brückenauge“ seine Gestalt und sensibilisiert den Blick für kleine Varianzen in der alltäglichen Wahrnehmung. Im Spannungsfeld von realem Ort und der metaphorischen Bedeutung von Fluss, Brücke und Licht versinnbildlicht FLASHBACK die Fragilität des Augenblicks.

Partnerschaft

Das Projekt FLASHBACK wurde mit freundlicher Unterstützung der Braunschweigischen Stiftung sowie der fme AG und der WILHELM EWE GmbH & Co. KG realisiert.

Kurzbiografie

1962 in Sarajevo geboren, studierte Danica Dakić an den Kunstakademien in Sarajevo, Belgrad und Düsseldorf. Seit 2011 ist sie als Professorin an der Bauhaus-Universität Weimar tätig, wo sie den internationalen Masterstudiengang Public Art und New Artistic Strategies leitet. Zuvor lehrte sie an der Universität für Angewandte Kunst Wien (2010 - 2011). Danica Dakićs Installationen, Videoarbeiten und Performances, die häufig von aufwendigen Recherchen begleitet werden, kreisen um Themen der Identität, der Sprache bzw. Sprachlosigkeit und um Handlungsmuster der Ausgrenzung. Zu den öffentlichen Sammlungen, in denen Dakićs Arbeiten vertreten sind, zählen das Centre Pompidou, Paris, die Generali Foundation, Wien, das Museu d’Art Contemporani in Barcelona, das Nouveau Musée National de Monaco und die Nationalgalerie von Bosnien-Herzegowina in Sarajevo.

Ausstellungen

2014

31st Sao Paulo Biennial, Brasilien

2013

Safe Frame, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main

2012

Emily, Turku Art Museum, Finnland / gandy gallery, Bratislava, Slowakei (solo)

2011

Danica Dakić , Hammer Museum, Los Angeles, USA (solo)

2011

Sprachenlandschaft, Akademie Graz, Steirischer Herbst, Graz, Österreich

2010

Danica Dakić, Museum of Contemporary Art Zagreb, Kroatien (solo)

2010

Role- Taking, Role- Making, Generali Foundation Wien, Österreich (solo)

2009

Danica Dakić, Wilhelm- Hack- Museum Ludwigshafen (solo)

2009

Danica Dakić, Kunsthalle Düsseldorf (solo)

2009

Casa del Lago, Kunsthaus Langenthal (solo)

2009

Istanbul Biennial, Türkei

2008

Tryptychon, Mala Galerija, Museum of Modern Art Ljublijana, Slowenien (solo)

2008

The Bearable Lightness of Being, La Biennale di Venezia, Venedig, Italien

2007

documenta 12, Kassel

2005

Role- Taking, Role- Making, Kulturzentrum Sinsteden (solo)

2005

Displaced, Neuer Berliner Kunstverein, Berlin

2005

Latente Historie, Skulpturen- Biennale Münsterland

2004

Diary, Exit Gallery, Peja, Kosovo (solo)

2003

A Capella, National Gallery of Bosnia- Herzegovina, Sarajevo, Bosnien und Herzegowina (solo)

2003

Istanbul Biennal, Türkei

2002

Prayer, Kunstverein Ulm (solo)

Kurzbeschreibung

In seiner aus mehreren, verschachtelten Ringen bestehenden Skulptur M-Sphären (Seyfert 2) greift Björn Dahlem das Motiv von Umlaufbahnen im Inneren kosmischer Galaxien auf. Diese Galaxiezentren - auch benannt nach dem Astronomen Carl Keenan Seyfert - werden von Hochgeschwindigkeitssternen, den so genannten High Velocity Stars, umkreist, die sich auf irregulären Bahnen bewegen. Das Galaxiezentrum selbst besteht aus einem Schwarzen Loch, aus dem keine Lichtimpulse nach außen dringen. Somit bilden die Sterne gewissermaßen den „Heiligenschein“ eines im Inneren der Galaxie gelagerten Mysteriums. Dieses geheimnisvolle Leuchten wird in der Skulptur von Dahlem zitiert und steht als „außerirdische Form“ im Kontrast zu den „irdischen Formen“ des städtischen Außenraumes. Besonders bei Nacht formiert sich inmitten der urbanen Landschaft des Bürgerparks ein spektakuläres Bild nahezu immateriell wirkender Lichtsphären.

Partnerschaft

Die künstlerische Arbeit M-Sphären (Seyfert 2) wurde mit freundlicher Unterstützung von  BS|ENERGY realisiert.

Kurzbiografie

1974 in München geboren, lebt und arbeitet Björn Dahlem in Berlin. Dahlems Arbeiten wurden mit dem Förderpreis des Landes NRW für Bildende Kunst (2000) und dem Piepenbrock Förderpreis für Skulptur (2004) ausgezeichnet. Nach Gastprofessuren an der Universität der Künste Berlin und den Akademien der Bildenden Künste in Nürnberg und Karlsruhe hat Björn Dahlem seit 2012 eine Professur für Bildhauerei an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig inne. Holz, Neonröhren und Polyesterstoffe sind wiederkehrende Materialien seiner künstlerischen Arbeiten. In Dahlems abstrakten Formen spiegelt sich die Beschäftigung mit Kosmologie, Astronomie und Teilchenphysik. Himmelskörper und molekulare Strukturen verbinden sich zu fragilen Gebilden, die alternative Realitäts- und Zeitebenen vorzuschlagen scheinen. Werke Dahlems sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, darunter in der Sammlung des Museum of Modern Art, New York und der Saatchi Gallery Sammlung, London.

Ausstellungen

2015

Mare Lunaris, Berlinische Galerie, Museum für Moderne Kunst, Berlin (solo)

2015

Kosmorama, Sies + Hoke, Düsseldorf (solo)

2014

Black Hole (Cygnus X-1), Matadero Contemporary Art Center Madrid, Spanien (solo)

2014

Outer Space. Der Weltraum zwischen Kunst und Wissenschaft, Bundeskunsthalle, Bonn

2013

Melancholia (Systema Saturnium), Galerie Guido W. Baudach, Berlin (solo)

2012

The End of it All, Kunstverein Braunschweig (solo)

2012

Silencio, Oldenburger Kunstverein (solo)

2011

Aus fernen Welten (Focus Imaginarius), Kerstin Engholm Gallery, Wien, Österreich

2011

Weltraum. Die Kunst und ein Traum, Kunsthalle Wien, Österreich

2010

Die Theorie des Himmels I- Die Milchstraße, KIT- Kunst im Tunnel, Quadriennale 2010, Düsseldorf (solo)

2006

Helle Materie, Magazin4- Bregenzer Kunstverein, Österreich (solo)

2005

Lichtkunst aus Kunstlicht, ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe

2005

Return to Space, Kunsthalle Hamburg

2004

Solaris, UCLA Hammer Museum, Los Angeles, USA (solo)

2004

Utopia Planitia II, Hamburger Bahnhof, Berlin (solo)

2004

Utopia Planitia I, FRAC Provence- Alpes- Cote d'Azur, Marseilles, Frankreich (solo)

2004

Lost in Werner, The Modern Institute, Glasgow, Großbritannien (solo)

2003

Coma Sculptor, Friedrich Petzel Gallery, New York, USA (solo)

2001

Club Superspace III, Der Kunstverein, seit 1817, USA (solo)

2001

Club Superspace II, Kunsthalle St. Gallen, Schweiz (solo)

2001

Club Superspace I, Kunstverein Freiburg (solo)

1999

CHANGE IS GOOD, Kunsthalle Fridericianum, Kassel

Kurzbeschreibung

Elín Hansdóttir schafft mit Cast einen kompassförmigen Raum, der als Filter von Straßenlichtern passierender Autos, LKWs oder Straßenbahnen fungiert. Durch vertikale Auslassungen dringt Licht ins Rauminnere und wirft ephemere Lichtmuster an Wände und Böden. Bewegungen der Außenwelt werden auf diesem Weg in momenthaft aufflackernde Licht- und Farbfelder überführt. Ihr Erscheinen und Verschwinden erfolgt in unmittelbarer Reaktion auf die sich ständig verändernde Außenwelt. In der Konzentration auf einige wenige Lichtstrahlen wird die sinnliche Qualität des Lichts in einer intimen Raumsituation erfahrbar.

Partnerschaft

Die Arbeit Cast wurde mit freundlicher Unterstützung der Volkswagen AG realisiert.

Kurzbiografie

Die 1980 in Reykjavík, Island, geborene Elín Hansdóttir absolvierte ihr Studium an der Iceland Academy of the Arts Reykjavík (1999—2003) und an der KHB Berlin-Weissensee (2003—2006). Ihre künstlerischen Arbeiten richtet sie häufig ortsspezifisch ein: Hansdóttir interveniert in existierende Bauten oder konzipiert eigene Objekte, Räume und Strukturen, deren Dimensionen im gezielten Lichteinsatz verschleiert werden. Kunst- und Sonnenlicht werden somit als Raum generierende oder Raum strukturierende Größen eingesetzt. Neben internationalen Ausstellungsprojekten entwickelte Hansdóttir auch Bühnenbilder für das Isländische Nationaltheater (2011) und ein Projekt des Tanzplans Hamburg (2010). Elin Hansdóttir lebt in Berlin und Reykjavík.

Ausstellungen

2015

Suspension of Disbelief, KW Institute for Contemporary Art, Berlin (so-lo)

2015

Beyond Reach, Den Frie Kopenhagen, Dänemark

2014

Give Us the Future, n.b.k., Berlin

2013

Relaunch, KW Institute for Contemporary Art, Berlin

2012

Higher Atlas, Marrakech Biennale, Marokko

2011

Long are the days, short are the nights, Wood Street Galleries, Pittsburgh, USA

2010

Trace, i8 Gallery, Reykajavík, Island (solo)

2010

Reciprocal, Biennale für Internationale Lichtkunst, Hamm

2010

They go round and round, 0047, Oslo, Norwegen

2009

Universolo, Unsolo project space, Rom, Italien (solo)

2009

Parallax, Reykjavík Art Museum- Hafnarborg, Island (solo)

2009

Space Revised- Verleib Unbekannt, Künstlerhaus Bremen

2008

Art Against Architecture, National Gallery of Iceland, Reykjavík Arts Festival, Island

2007

Between Two Deaths, ZKM Karlsruhe

2007

Berlin Noir, Perry Rubenstein Gallery, New York, USA

2007

Frieze Projects, Frieze Art Fair, London, Großbritannien

2006

Here Elsewhere, rec gallery, Berlin (solo)

2004

Berlin North, Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwartskunst, Berlin

Kurzbeschreibung

In ihrer künstlerischen Arbeit für den Lichtparcours setzen sich Lonneke Gordijn und Ralph Nauta mit der Architektur und Geschichte eines leer stehenden Kornspeichers am Hafengelände Braunschweig-Veltenhof auseinander. An die Bewegungen des Korns, das durch unterschiedliche Etagen geschleust und dort gereinigt und verpackt wurde, erinnert eine vertikal durch das Gebäude wandernde Lichtskulptur. Hierbei handelt es sich um eine Adaption ihrer Arbeit Shylights, die das biologische Prinzip sich öffnender und schließender Blüten in eine Abfolge sich ständig wandelnder Lichtkörper übersetzten. Biologische Prozesse werden hier als formgenerierendes Verfahren interpretiert. Die sich nähernde und wieder entfernende Lichtskulptur wird von einer Kamera aufgenommen und auf die Außenseite des Speichers projiziert. Im Spiel mit unterschiedlichen Distanzen und Perspektiven wird so ein ungewohnter Einblick in die Struktur des Kornspeichers gewährt.

Koordinaten: 52°18'55.3"N 10°29'11.4"E

Der Verein WRITERS INK. e.V. hat sich von dem Kunstwerk "The Portal" und der Hafenumgebung inspirieren lassen und so sind mehrere englische Gedichte entstanden. Diese finden Sie hier.

Partnerschaft

Die Arbeit The Portal von Studio Drift wurde mit freundlicher Unterstützung der Hafenbetriebsgesellschaft Braunschweig mbH, der Botschaft des Königreichs der Niederlande und dem Spender Adalbert Wandt realisiert.

Kurzbiografie

Ralph Nauta (1978 in Swindon, Großbritannien geboren) und Lonneke Gordijn (1980 in Alkmaar, Niederlande geboren) begannen nach einem Studium an der Design Academy Eindhoven 2006 unter dem Namen Studio Drift ihre Zusammenarbeit. In ihren vielfach ausgezeichneten Arbeiten verbindet sich organisches Formenvokabular mit innovativer Lichttechnik. 2008 erhielten sie für ihre Lichtinstallation Fragile Future den Lights of Future Award des Deutschen Design Councils, 2011 zeichnete sie das niederländische Gemeentemuseum mit dem 1. Preis der ZomerExpo aus. Ralph Nauta und Lonneke Gordijn leben und arbeiten in Amsterdam.

Ausstellungen

2014

Made by Brazilians, Cidade Matarazzo Hospital, Sao Paulo, Brasilien

2014

Arsenale, Venedig, Italien

2014

Useful+Beautiful, Geffrye Museum, London, Großbritannien

2013

Lightopia, Vitra Design Museum, Weil am Rhein

2013

Wit, Nederlands Fotomuseum, Rotterdam, Niederlande

2013

Ja Natuurlijk, Gemeentemuseum, Den Haag, Niederlande

2012

Space Oddity, Grand Hornu, Boussu, Belgien

2012

A Better World, 13th International Architecture Exhibition, La Biennale di Venezia, Venedig, Italien

2012

Luminale, Frankfurt

2011

Curious Minds, The Israel Museum, Jerusalem, Israel

2011

Nieuwe Energie, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Niederlande

2011

Pavillion of Art and Design (PAD), New York, USA

2011

ZomerExpo, Gemeentemuseum, Den Haag, Niederlande (1.Preis)

2011

Design Miami/Basel, Basel, Schweiz

2010

Luminous Times, Vitra Design Museum, Domaine de Boisbuchet park, Lessac, Frankreich

2010

Death or Alive, Museum of Arts and Design, New York, USA

2009

Glow Festival, Eindhoven, Niederlande

2009

In Praise of Shadows, Victoria and Albert Museum, London, Großbritannien

2009

Gallery Karena Schuessler, Berlin

2009

Surface, Künstlerhaus Dortmund

2008

New Dutch Design, Mars Centre of Contemporary Arts, Moskau, Russland

2008

Light+Building 2008, Lights of the future, German Design Council, Frankfurt

2008

Family of Form, Designhuis Eindhoven, Niederlande

2007

Becoming Dutch/Eindhoven Caucus, Van Abbemuseum, Eindhoven, Niederlande

2007

Bright+Light, Europäisches Parlament, Brüssel, Belgien

2007

Art Rotterdamm, Gallery Mart House, Rotterdam, Niederlande

2006

Fleurs et Lumiéres, Biennale du design, Saint Etienne, Frankreich

Kurzbeschreibung

Die 2006 entwickelte und 2008 der Öffentlichkeit übergebene Arbeit Evokation in Rot beschreibt eine Brückendurchfahrt, die mit 150, in Blütenform gestalteten, roten LED-Lichtquellen und ihren Spiegelungen im Wasser einen feuerrot leuchtenden Tunnel bilden. In Anlehnung an die im Rahmen des Lichtparcours 2000 entwickelte Arbeit Rosen ohne Dornen wird das Motiv der Rose aufgegriffen und in einem zweiten Teil um eine gelb schimmernde Betonung der Brücken-Balustrade ergänzt, die einen Übergang zur beleuchteten Straßensituation bildet.

Kurzbiografie

1953 geboren, absolvierte die Hannoveraner Künstlerin Yvonne Goulbier ein Studium der Innenarchitektur und realisierte zwischen 1980 und 2011 zahlreichen Projekte mit dem Bildhauer Klaus Goulbier. Nach einem Stipendium in der Villa Massimo in Rom (1986) und einem Arbeitsstipendium des Kunstfonds Bonn (1986) entwickelte Goulbier ein besonderes Interesse an lichtbezogenen Arbeiten.

Kurzbeschreibung

Mit seiner großformatigen Brückenkonstruktion erinnert der italienische Künstler Fabrizio Plessi an eine heute nicht mehr vorhandene Überquerung zum Gieselerwall. Im Inneren der massiv gearbeiteten, verrosteten Rahmenkonstruktion sind Monitore eingelassen. Kontrastreich verbinden sich Technik und Baukunst, bewegte Bilder und statische Architektur zu einer Installation, die das Hier und Jetzt des Bachbettes mit einer historischen Erinnerung zusammenführt.

Kurzbiografie

1940 in Reggio nell'Emilia, Italien geboren, begann Fabrizio Plessi nach einem Malereistudium in Venedig ab den 1970er Jahren großformatige Videoinstallationen zu fertigen, die Monitore als skulpturale Größen begreifen. In folgenden Architekturen, Filmen, Videos und Performances lotet Plessi die Schnittstellen von Natur und Technik aus, wobei Wasser ein wiederkehrendes Element seiner künstlerischen Arbeiten bleibt. Neben einer Beteiligung an der Biennale von Venedig in 1970 und 2003 und einer Einladung zur Documenta 8 realisierte Plessi Ausstellungsprojekte im Martin-Gropius-Bau Berlin (2004), im Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen oder in der Kunsthalle Recklinghausen (2016).

Kurzbeschreibung

Mark Dions künstlerische Strategien sind das Sammeln, Schichten, Sortieren und Neuarrangieren vorgefundener Objekte. In Kollaborationen mit Museen und öffentlichen Sammlungen schlägt er alternative, streng subjektive Ordnungsverfahren vor, die wissenschaftliche Klassifikationen zur Disposition stellen. Vitrinen, Regalsysteme oder Sockel rücken als integraler Bestandteil der Installationen in den Vordergrund und so werden die Modi der musealen Präsentation selbstreflexiv integriert. Der im Rahmen des Braunschweig Parcours 2004 entwickelte Elster Flohmarkt orientiert sich in der Form an ein kleines Antiquariat am Braunschweiger Burgplatz. Im Inneren befindet sich ein überbordendes Sammelsurium an Gegenständen, die auf regionalen Flohmärkten zusammengetragen wurden. Als Kabinett vergessener Kuriositäten reiht sich das Werk in die Tradition barocker Wunderkammern ein und schlägt mit seiner Beschränkung auf lokale objets trouvés eine Brücke in die Braunschweiger Gegenwart.

Kurzbiografie

Mark Dion wurde 1961 in New Bedford, USA geboren und betätigte sich zunächst als Restaurator bevor er 1984 ein Kunststudium an der School of Visual Arts New York aufnahm. Ein Jahr später folgte ein Studium am Independent Study Program des Whitney Museum of American Art in New York, wo er mit aktuellen Entwicklungen der Concept Art in Berührung kam. In seinen Installationen, Skulpturen, Performances, Filmen oder Videos kritisiert und dekonstruiert Dion museale Naturdarstellungen als vorgebliche Wahrheitsbehauptungen. Werke des Künstlers wurden in Ausstellungen im Museum of Modern Art New York (1999), in den Hamburger Deichtorhallen (2001), in der Kunsthalle Hamburg (2006) oder zuletzt im MARTa Herford (2015/16) vorgestellt.